Con il suo adattamento di "Frankenstein" del 2025, il regista premio Oscar Guillermo del Toro ha trasformato il romanzo gotico di Mary Shelley del 1818 in un sublime pezzo di cinema del XXI secolo. Questo film monumentale trasforma il materiale originale da un racconto ammonitore sui pericoli dell'hybris in una favola redentrice sul potere del perdono. È l'opera più completa di del Toro fino ad oggi e, senza dubbio, il magnum opus di un maestro del cinema.

Fin dall'inizio, del Toro ci ricorda le radici della storia nella letteratura classica. Un cartello recita "Preludio", dopodiché vediamo l'equipaggio del veliero "Horisont", bloccato dai ghiacci, affrontare un folle Victor Frankenstein (Oscar Isaac) e la sua creazione sovrumana (Jacob Elordi). Capiamo subito che questo non è l'inizio della storia, ma il suo culmine. Come fece Omero con "L'Odissea", del Toro ha scelto di catapultare il suo pubblico in medias res. Poi, dopo aver catturato la nostra attenzione, dipana magistralmente la sua narrazione attraverso dei flashback.

Questo espediente strutturale non è raro. Tuttavia, il colpo di maestro di del Toro consiste nel dividere a metà la storia di Mary Shelley, raccontando gli eventi non attraverso uno, ma due flashback. Nella "Parte I: Il racconto di Victor", Victor Frankenstein racconta al Capitano Anderson (Lars Mikkelsen) come ha faticato per creare una creatura vivente da parti del corpo scartate. Ma questa non è tutta la storia. A metà del film, la prospettiva cambia radicalmente mentre la creazione di Victor svela l'immagine speculare della storia del suo creatore, esponendo la "Parte II: Il racconto della Creatura".

Nelle nostre vite, sappiamo istintivamente che ci sono almeno due versioni per ogni storia, e che la nostra percezione della realtà dipende dal nostro punto di vista individuale. Come prologo alla sua versione degli eventi, Victor stesso ammette: "Parte di ciò che vi dirò è realtà. Parte non lo è". Poi sfida le nostre percezioni di realtà e finzione aggiungendo: "Ma è tutto vero". Più tardi, la Creatura dice: "Il mio creatore ha raccontato la sua storia, allora io vi racconterò la mia", un'affermazione che ci invita attivamente a farci un'idea propria su cosa significhi realmente la "verità".

Questa dualità narrativa è supportata dal frequente uso di immagini speculari da parte di del Toro, spesso utilizzate per sostenere la storia e i suoi temi. Nella notte di nozze di Elizabeth (Mia Goth), Victor cerca di scusarsi per il modo in cui si è comportato con lei. Elizabeth risponde colpendolo in faccia con uno schiaffo. Durante tutto il confronto, Victor è di spalle alla cinepresa, così che vediamo il suo volto solo nello specchio della stanza di Elizabeth. Questa messa in scena sottolinea abilmente la percezione che Elizabeth ha di Victor: a questo punto della narrazione, egli non è per lei più consistente di un riflesso. Vale la pena notare che la scena avviene all'interno della "Parte II: Il racconto della Creatura": sebbene questa possa essere la realtà di Elizabeth, è anche innegabilmente parte della versione dei fatti della Creatura.

Questo è un esempio dei molti modi in cui "Frankenstein" gioca con le idee di realtà e finzione, verità e bugia. Il punto di vista siede al cuore del cinema e, come tutti i grandi registi, Guillermo del Toro usa non solo la cinepresa, ma ogni strumento cinematografico a sua disposizione per plasmare la percezione del pubblico su ciò che accade sullo schermo.

A tal fine, "Frankenstein" è una dimostrazione perfetta di ogni disciplina cinematografica che lavora in armonia con le altre – un'orchestra di strumenti condotta sapientemente dal maestro regista del film. Il direttore della fotografia Dan Laustsen fa un uso sfolgorante del chiaroscuro, tanto che ogni fotogramma di "Frankenstein" sembra un dipinto di Caravaggio. Le sue lenti grandangolari mostrano ogni dettaglio degli straordinari set creati dalla scenografa Tamara Deverell. Questi, a loro volta, forniscono l'ambientazione perfetta per una parata infinita di costumi incantevoli disegnati da Kate Hawley. La colonna sonora di "Frankenstein" è sicuramente una delle migliori di Alexandre Desplat.

All'interno di un assortimento di ambientazioni create con amore, un cast stellare di attori dà vita alla sceneggiatura di del Toro. Oscar Isaac domina lo schermo nei panni del tormentato Victor Frankenstein che, in lutto per la madre (morta di parto) e disperato nel voler smentire le visioni del padre violento sulla mortalità umana, diventa ossessionato dalla conquista della morte. Jacob Elordi offre una performance straordinaria indossando protesi su tutto il corpo create da Mike Hill e dal suo team di trucco. Il trucco è progettato non per spaventarci, ma per suscitare empatia verso la Creatura, rimanendo trasparente e abbastanza flessibile da permettere a Elordi di esprimere l'intera gamma di emozioni, dalla tenerezza alla rabbia, il tutto con un delicato senso di goffaggine fisica e nobiltà. Nel suo doppio ruolo di Elizabeth e (in una svolta decisamente edipica) della madre di Victor, Mia Goth è semplicemente mozzafiato: una giovane attrice che occupa lo spazio con la pienezza di una veterana. La sua potente aura, unita a una performance sublime e sottile, dimostra che "meno è meglio".

Ma la magia accade davvero in tutti i punti in cui questi vari elementi si fondono. Una delle espressioni più intime di ciò è la congiunzione tra personaggio e design dei costumi. I costumi di Elizabeth non sono solo splendidi da vedere, ma riflettono anche i suoi sentimenti e le sue motivazioni, per non parlare dei temi di fondo del film. Un abito stampato con motivi di falene parla della fascinazione di Elizabeth per gli insetti. I nastri avvolti intorno alle maniche del suo abito da sposa ci ricordano le bende indossate inizialmente dalla Creatura.

Victor indossa principalmente abiti scuri, in contrasto con il guardaroba più chiaro del fratello minore, William. Questa opposizione rinforza la gelosia di Victor verso William, che era il preferito del padre. "Lui era la brezza", afferma Victor. "Io ero la nuvola temporalesca". Sottolinea inoltre l'ingenuo desiderio di William di aiutare il fratello maggiore e rafforza l'ingratitudine di Victor quando approfitta di William, lasciandolo solo ad allestire il laboratorio mentre lui, Victor, insegue Elizabeth. Più tardi, mentre dà la caccia alla Creatura senza sosta attraverso le lande artiche, le enormi pellicce nere indossate da Victor gli conferiscono un aspetto goffo, simile a quello di un orso: ha finalmente completato la sua transizione da uomo a mostro.

I costumi di Victor sono spesso accentati di rosso, un colore tradizionalmente associato al sangue e alla passione. Fondamentalmente per Victor, questo colore rappresenta sua madre. All'inizio del film, in una scena degna di Fellini, vediamo sua madre sui gradini della casa di famiglia con uno splendido abito rosso e un lungo velo mosso dal vento. Troppo presto il rosso sangue della creazione materna diventa il cremisi della morte, mentre lei muore di parto. Da allora in poi, in memoria di questa tragedia, Victor accessoria i suoi abiti con sciarpe rosse, guanti rossi – qualsiasi cosa per mantenere il legame con la donna la cui morte guida la sua ossessione.

Il colore rosso aiuta anche ad alimentare la nuova fissazione di Victor: Elizabeth. Quando Victor assiste a un'impiccagione pubblica nella speranza di assicurarsi cadaveri adatti alla sperimentazione, scorge in lontananza la fidanzata del fratello. Ma è Elizabeth stessa a catturare il suo sguardo, o l'ombrello rosso che porta in un giorno in cui tutto il resto è grigio? Questa incertezza persiste mentre restiamo scettici sui crescenti sentimenti di Victor verso Elizabeth. La ama davvero, o vuole solo possedere qualcosa che appartiene al fratello minore? Tragicamente, poiché è più concentrato nel distruggere la Creatura che nel salvare Elizabeth, finisce per uccidere l'oggetto del suo affetto. Tutto questo ci costringe a porci la domanda: Victor è davvero capace di amare?

L'uso più sorprendente del rosso è riservato alle visioni che Victor ha dell'Angelo con cui stringe un patto faustiano per sconfiggere la morte. In scene che solo Guillermo del Toro potrebbe portare sullo schermo, vediamo l'Angelo rappresentato prima come un'effigie scolpita ricca di simbolismo cattolico e dotata di un'atmosfera unicamente barocca. Più tardi l'Angelo rimuove la maschera per rivelare un teschio ghignante. Ogni inquadratura dell'Angelo è immersa in una lurida luce di fuoco rossa.

Altre scelte cromatiche evocative includono il freddo blu artico, espresso sia nel paesaggio innevato e ghiacciato attorno alla sfortunata "Horisont" sia nelle uniformi del suo equipaggio. Mentre Victor accentua i suoi abiti con il rosso, il suo ricco benefattore (che è anche lo zio di Elizabeth) Henrich Harlander (Christoph Waltz) predilige caldi marroni e ori, che simboleggiano la sua ricchezza e la sua decadenza, in un'inquadratura memorabile su un campo di battaglia disseminato di cadaveri, catturando il bagliore arancione dei fuochi circostanti.

Il simbolismo di "Frankenstein" va ben oltre l'uso magistrale del colore. Ogni cosa è lì per un motivo, e tutto ha un significato. Il conflitto non specificato che fornisce a Victor i cadaveri necessari per costruire la sua Creatura è simbolico della guerra nella sua forma più astratta – nonostante l'atmosfera dell'era napoleonica, potrebbe trattarsi di qualsiasi guerra che ha imperversato nel corso della storia. La torre dell'acqua in cui Victor costruisce il suo laboratorio è iconica come qualsiasi castello gotico remoto mai apparso sul grande schermo, con scritte sulla pietra che predicono il ruolo che giocherà nel dramma a venire: "Aqua est vita" – "L'acqua è vita". All'interno del laboratorio, Victor lega la sua Creatura a una struttura che ricorda da vicino un crocifisso.

La storia della Creatura è piena di luoghi simbolici. Fuge dal "castello" attraverso un canale d'acqua – letteralmente un canale del parto – dopo di che vaga attraverso una serie di ambienti che sembrano usciti direttamente da una fiaba. Oltre un bosco selvaggio e desolato si trova un analogo del Giardino dell'Eden, dove trova rifugio in una capanna occupata da una famiglia di cacciatori e tormentata dai lupi.

È all'interno di questa capanna che la Creatura impara gradualmente a essere umana, sotto la guida di un saggio Cieco (David Bradley) che, ignaro delle deformità fisiche del suo studente, tratta la Creatura come farebbe con qualsiasi anima smarrita. Che contrasto con i miseri insegnamenti di Victor, limitati a banali questioni pratiche: come camminare, come parlare. Il Cieco apre gli occhi della Creatura a una dimensione spirituale in cui egli acquisisce linguaggio ed empatia. Insegna anche alla Creatura che tutti gli esseri – lupi, pecore e forse persino scienziati ossessionati – sono semplicemente fedeli alla loro natura quando fanno le cose che fanno.

Questo è il momento critico in cui, molto prima del suo scontro finale con il creatore, la Creatura impara il significato del perdono. Il Cieco gli dice: "Perdonare, dimenticare – la vera misura della saggezza. Sapere di essere stati feriti, da chi si è stati feriti, e scegliere di lasciare che tutto svanisca".

Il viaggio della Creatura verso l'umanità lo porta sempre più vicino a Elizabeth. Ciò rafforza il legame che hanno stretto quando si sono incontrati per la prima volta nella cripta sotto la torre dell'acqua, quando abbiamo visto Elizabeth togliersi un guanto e permettere alla Creatura di togliere l'altro, prima di esplorare il suo corpo segnato con la mano nuda – una straordinaria dimostrazione di intimità tra due personaggi incontratisi da così poco e apparentemente così distanti. Cariche di erotismo, queste scene servono anche ad allineare la Creatura con la simbologia femminile del film. Per esempio, ama giocare con una foglia nell'acqua – entrambi simboli di vita, crescita e femminilità. Elizabeth conserva quella stessa foglia come una sorta di feticcio in memoria del loro amore puro.

Invece, il viaggio di Victor, nonostante tutti i suoi sforzi per assicurarsi l'affetto di Elizabeth, non fa che aumentare il divario tra lui e la donna che pensa di amare. Victor è perennemente associato non all'acqua, ma al fuoco. Le fiamme dominano i suoi sogni sull'Angelo, e il fuoco è la sua arma preferita quando decide di distruggere il laboratorio con la Creatura all'interno. Nel momento in cui adotta il suo aspetto di orso da caccia irsuto, non ci restano dubbi sulla mascolinità tossica e autodistruttiva di Victor.

I fili tematici del film si intrecciano appena prima del matrimonio di Elizabeth e William, quando la Creatura irrompe nella loro casa e porta via Elizabeth in una grotta – un luogo simile a un utero e a una tomba che segna un netto distacco dalla civiltà verso un regno più primordiale e ancestrale. Ma non si tratta di un rapimento e Elizabeth non è una damigella in pericolo – al contrario, vede la Creatura come un essere spirituale che rappresenta la purezza e la verità che ha cercato per tutta la vita. Tragicamente, quando Victor arriva con l'intenzione di salvare Elizabeth, finisce invece per ucciderla. Ecco la prova straziante di ciò che Elizabeth stessa aveva riconosciuto molto prima nella storia: "Il mio posto non è mai stato in questo mondo".

Il sacrificio di Elizabeth prepara il terreno per lo scontro finale tra Victor e la Creatura. A questo punto, Guillermo del Toro ci stupisce con un miracolo davvero inaspettato, mentre queste due anime spezzate raggiungono il punto in cui possono perdonarsi a vicenda. Lasciando la grotta, viaggiano nelle profondità della natura selvaggia dell'Artico dove, dopo una drammatica resa dei conti, vivono il loro incontro finale nella cabina del capitano a bordo della "Horisont".

Qui, Victor morente chiede il perdono della Creatura. "Il rimpianto mi consuma", dice, "e ora guardo alla mia vita per quello che è stata". Victor può dirlo ora perché finalmente riconosce i modi in cui ha fallito con la sua creazione. Ha raggiunto uno stato di grazia in cui non è solo in grado di perdonare se stesso, ma anche di chiamare la Creatura "figlio".

Finalmente, Victor Frankenstein si è dimostrato capace di amare.

Victor continua esortando la Creatura a vivere. "Perdonati fino ad esistere", lo esorta. "Se la morte non deve essere... finché sei vivo, che altra risorsa hai se non vivere?". In risposta alle esortazioni di Victor e attingendo agli insegnamenti del Saggio, la Creatura è ora in grado di compiere il passo cruciale successivo nel suo viaggio verso l'umanità, perdonando l'uomo che lo ha creato.

Mentre "Frankenstein" volge al termine, la Creatura si incammina sul ghiaccio verso il sole nascente. Come pubblico riconosciamo ancora un'altra immagine speculare, poiché la Creatura deve sicuramente ricordare il momento in cui, poco dopo la sua creazione, Victor aprì le tende della finestra sull'alba e gridò: "Guardalo! La luce del sole! Il sole è vita!".

In questo momento sublime condividiamo lo stupore della Creatura per la sacra bellezza del mondo, quel senso di essere uno con l'universo. Allo stesso tempo sentiamo il dolore della Creatura per tutto ciò che ha perso. Forse, come la Creatura, abbiamo lacrime sulle guance. Questi sentimenti speculari di dolore e meraviglia, amore e perdono, sono perfettamente racchiusi dalla citazione di Lord Byron che occupa l'ultimo cartello del film: "E così il cuore si spezzerà, eppure, spezzato, continuerà a vivere".

La dott.ssa Maria Elena Gutierrez è CEO e direttrice esecutiva della VIEW Conference, la principale conferenza annuale italiana sui media digitali. Ha conseguito un dottorato di ricerca presso la Stanford University e una laurea presso la University of California Santa Cruz. La VIEW Conference si impegna a portare una diversità di voci in primo piano nell'animazione, negli effetti visivi e nei giochi. Per ulteriori informazioni sulla VIEW Conference, visitare il sito ufficiale: http://viewconference.it

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